Johann Sebastian Bach (1685–1750)
Chaconne aus der Partita d-Moll BWV 1004, arr. von Ferruccio Busoni (1866–1924)

César Franck (1822–1890)
Prélude, Choral et Fugue 

Igor Strawinsky (1882–1971)
Klaviersonate

I. ---
II. Adagietto
III. ---

Pause

Sergei Prokofjew (1891–1953)
»Sarkazmy«. Fünf Stücke für Klavier op. 17

I. Tempestoso
II. Allegro rubato
III. Allegro precipitato
IV. Smanioso 
V. Precipitosissimo – Andantino

Improvisation zum Stummfilm »The Immigrant« von Charlie Chaplin
Restored by Lobster Films and Cineteca di Bologna under the aegis of Association Chaplin
© Film Preservation Associates Inc., 2012
© Lobster Films

Gefürchtet und geliebt, Prüfstein und Anstoß, Grenzerfahrung und Versuchung: Bachs »Chaconne« ist der monumentalste Satz aus seiner zweiten Partita für Violine solo. Ob die Komposition, die Bach kurz nach dem Tod seiner ersten Frau 1720 beginnt, mit diesem biografischen Ereignis in unmittelbarem Zusammenhang steht, ist nach wie vor nicht geklärt. Ganz haltlos ist der Verdacht allerdings nicht, zumal man inzwischen hat nachweisen können, dass Bach hier verschiedene Choräle verarbeitet hat, die alle das Thema Tod und Auferstehung berühren. 256 Takte Unergründlichkeit … 

Geiger:innen dient dieser Satz oft als eine Art Visitenkarte – wer hiermit Erfolg hat, dem stehen alle Möglichkeiten offen. Auch für Pianist:innen ist die Chaconne eine Herausforderung, dank der Bearbeitung für die linke Hand von Johannes Brahms und dank der Fassung von Ferruccio Busoni.

Busoni – Sohn eines italienischen Klarinettisten und einer deutschstämmigen Pianistin, in Moskau verheiratet mit einer Schwedin, die er in Finnland kennengelernt hatte – war bereits früh mit der Musik Bachs in Verbindung gekommen: »Meinem Vater«, so erinnert er sich rückblickend, »verdanke ich den Segen, dass er mich in meiner Kindheit strengstens zum Studium Bachs anhielt; und dies zu einer Zeit und in einem Lande, wo der Meister nicht viel mehr galt als ein Carl Czerny.«

Diese Bach-Liebe zeigt sich in etlichen Bearbeitungen. Eine seiner berühmtesten: die Klavierfassung der Chaconne aus der zweiten Partita für Violine solo. 

Wie beim Thema der »Goldberg-Variationen« liegt auch dieser Chaconne ein langsam schreitender Sarabande-Rhythmus zugrunde; zweite Ähnlichkeit: Auch hier handelt es sich um Variationen über eine Bass-Stimme. Wie viele? Bis heute wird gerätselt. So starr Bachs Modell auf den ersten Blick auch scheint, so organisch verbindet sich letztlich alles zu einem fließenden Ganzen.

Ein Visionär war er, doch wird er bis heute nur selten als solcher wahrgenommen. Ähnlich wie Franz Liszt hat César Franck versucht, musikalische Poesie und religiöses Bekenntnis miteinander in Einklang zu bringen. Franck ist zeitlebens ein zutiefst gläubiger Mensch. Daher erscheinen einige seiner Werke geradezu vergeistigt.

Sein Vorzugs-Instrument ist die Orgel. Von Zeitgenossen und einigen Schüler:innen, allen voran von Vincent d’Indy, wird er wie ein Heiliger verehrt: »Père Franck« oder »Pater seraphicus« wird er genannt. Geboren in Lüttich, übt Franck jahrelang treuen Organistendienst an der Kirche Sainte Clotilde in Paris und unterrichtet am Konservatorium.

Nach einigen virtuosen Frühwerken schreibt Franck erst mit über 60 Jahren wieder zwei Klavierstücke, deren wahre Bedeutung sich vielleicht erst auf einen zweiten Blick erschließt. »Prélude, Choral et Fugue« stammt aus dem Jahr 1884.

Der Titel deutet an, dass hier alte musikalische Formen wieder zum Leben erweckt werden sollen – ein Triptychon aus Präludium, Choral und Fuge, das auf einige von Bachs Orgelwerken zurückweist, etwa auf »Toccata, Adagio und Fuge«. Doch anders als Bach verzichtet Franck auf ein streng rhythmisiertes Präludium. Er komponiert den Eingangssatz eben auf französische Weise, mit fließenden Bewegungen. Clever: Der thematische Kern ist bereits so angelegt, dass er ganz auf den Choral hin ausgelegt ist. Der erwächst fantasieartig und wie eine Vision aus dem Präludium. Danach folgt eine Fuge, teils feierlich, teils innerlich und wie ein Gebet.

Schaut man sich die Noten dieses Werks genauer an, dann erinnert das äußere Bild sehr an eine Orgelkomposition. Das Maß der Dinge im französischen Orgelbau der damaligen Zeit war Aristide Cavaillé-Coll. Er hat nicht nur den Instrumentenbau revolutioniert, sondern auch das Klangbild, hin zu einer sinfonischen Ausrichtung, hin zu einem bis dahin nicht gekannten Farbspektrum. Davon findet sich einiges auch in »Prélude, Choral et Fugue«.

Skandal und Aufruhr. Wer von Igor Strawinsky spricht, hat meist seine revolutionären Orchesterwerke, seine Ballette wie »Le Sacre du printemps« oder »Feuervogel« im Hinterkopf. Doch der Ausgangspunkt dieser Werke ist für Strawinsky stets das Klavier. Ein Leben lang komponiert er ›am‹ Klavier – und ›für‹ das Klavier. Rund vier Jahrzehnte lang schreibt er immer wieder größere und kleinere Stücke zu zwei oder vier Händen.  

Während Strawinsky im Laufe der Kriegsjahre 1914–1918 und danach meist kleinere Stücke entwirft, konzipiert er 1924 mit seiner Sonate und der ein Jahr später entstandenen »Serenade in A« größere Werke, um sie selbst aufzuführen.

Strawinsky hält sich zu diesem Zeitpunkt in Südfrankreich auf, in Biarritz und Nizza. Er beginnt die Arbeit an seiner Sonate und widmet sie anschließend der berühmten Kunstmäzenin Winnaretta Singer, Princesse de Polignac. Während Arnold Schönberg in Wien damit beginnt, die Musikwelt mit neu erdachten Reihen aus allen 12 Tönen zu revolutionieren, wählt Strawinsky den entgegengesetzten Weg. Er entwirft drei Sätze, die an alte Traditionen anschließen und bewusst das 18. Jahrhundert wieder anklingen lassen. Der zweistimmige erste Satz erinnert an klassische Komponisten wie Joseph Haydn oder Muzio Clementi, während der langsame Mittel-Abschnitt mit seinen Verzierungen barocke Züge trägt. Das Finale lehnt sich an eine zweistimmige Invention à la Bach an …

Schnell erwirbt er sich den Ruf als ›enfant terrible‹. Sergei Prokofjew schockt schon als Student sein Publikum mit kühnen Kompositionen. Bis 1914 studiert er in Sankt Petersburg: Komposition, Kontrapunkt, Orchestration, Klavier und Dirigieren. Zu seinen Lehrern zählt der große Nikolai Romski-Korsakow.

Gegen Ende seiner Studienzeit schreibt Prokofjew 1912 erste Klavierstücke. 1914 ist ihre Zahl auf fünf angewachsen. Der junge Komponist ordnet sie chronologisch: erster Satz (1912), zweiter und dritter Satz (1913) und schließlich die beiden Schluss-Stücke (1914). Die Uraufführung präsentiert er Ende November 1916 im Petersburger Konservatorium selbst.

Die »Sarkasmen« sind charakteristisch für Prokofjew. Er macht aus seiner Lust, eine neue musikalische Sprache auszutesten, kein Geheimnis. Dafür reichen ihm pro Stück zwei Themen, und er wagt sich fast provozierend weit in Grenzregionen. Im dritten Stück spielt die rechte Hand in fis-Moll, die linke in h-Moll. Es ist eine kraftvolle Musik mit Erschrecker-Potenzial. Prokofjew nutzt die perkussiven Möglichkeiten des Klaviers – aber es gibt auch Momente, die Prokofjew als Lyriker zeigen.

Charles Spencer Chaplin junior kommt am 16. April 1889 in London zur Welt. Die Eltern: Varietékünstler. Bereits mit fünf Jahren steht er auf der Bühne und mit 13 Jahren ist die Entscheidung gefallen: Charlie, wie er genannt wird, will Schauspieler werden. Mit 19 kennt ganz London das neue Unterhaltungstalent, zwei Jahre später kennt ihn auch Amerika. 

Als unverwechselbare Figur mit Melone (einem typisch englischen Hut), flatternder Hose und alten Schuhen begeistert Chaplin in seinen Filmen ein Millionen-Publikum. Doch wo immer bei ihm Komik und Humor hervortreten, lauert dahinter der Ernst. Denn Charlie Chaplin beweist immer wieder einen wachen Sinn für die Schwachen, die Ausgegrenzten, die Abseits-Stehenden. Das gilt besonders für seinen Film »The Immigrant« von 1917. Schon der Titel vom Einwanderer deutet an, wie aktuell das Thema vor mehr als hundert Jahren bereits war – und bis heute geblieben ist. Kaum mehr als 20 Minuten dauert diese entlarvende, doppelbödige Filmkomödie.

Gabriela Monteros visionäre Interpretationen und ihre einzigartige kompositorische Begabung haben ihr auf der Weltbühne Anerkennung und eine treue Anhängerschaft eingebracht. Gefeiert für ihre außergewöhnliche Musikalität und Improvisationsfähigkeit, ist Montero mit vielen führenden Orchestern der Welt aufgetreten. Als Absolventin und Fellow der Royal Academy of Music in London spielt Montero Recitals und Kammermusik in so renommierten Häusern wie der Wigmore Hall, der Carnegie Hall und vielen anderen.

Die preisgekrönte und erfolgreiche Künstlerin hat auf ihrem jüngsten Album (2019) ihr eigenes »Latin«-Konzert und Ravels Klavierkonzert in G-Dur aufgenommen. Für ihre erste Orchesterkomposition »Ex Patria« erhielt Montero ihren ersten Latin Grammy® als bestes klassisches Album. Sie erhielt zwei Echo-Klassik-Preise: den Preis als Tasteninstrumentalistin des Jahres 2006 und den Preis für Klassische Musik ohne Grenzen 2007.

Als Gewinnerin des 4. Internationalen Beethoven-Preises für Menschenrechte, Frieden, Freiheit, Armutsbekämpfung und Inklusion ist Montero eine engagierte Verfechterin der Menschenrechte, deren Stimme regelmäßig über den Konzertsaal hinaus zu hören ist. Im Jahr 2015 wurde sie von Amnesty International zur Honorarkonsulin ernannt und von der Human Rights Foundation für ihr kontinuierliches Engagement für die Menschenrechte in Venezuela mit dem Preis Outstanding Work in the Field of Human Rights ausgezeichnet. Im Januar 2020 wurde sie eingeladen, die Dean’s Lecture am Harvard Radcliffe Institute zu halten, und hat zweimal auf dem Weltwirtschaftsforum in Davos gesprochen und gespielt.

Die gebürtige Venezolanerin begann ihr Klavierstudium im Alter von vier Jahren und gab ihr Konzertdebüt im Alter von acht Jahren in ihrer Heimatstadt Caracas. Daraufhin erhielt sie ein staatliches Stipendium für ein Privatstudium in den USA und studierte anschließend an der Royal Academy of Music in London bei Hamish Milne.